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El programa de televisión Riviera llega a los Estados Unidos en Sundance Now Quizás hayas oído hablar de la nueva serie original Riviera protagonizada por Julia Stiles, pero no has encontrado una forma decente de transmitir el programa del Reino Unido en los Estados Unidos. Sundance Now acaba de adquirir los derechos, y comenzará a transmitirse la primera temporada a partir del 14 de septiembre. La revista GQ (edición del Reino Unido) tiene una historia bastante interesante sobre cómo la historia fue desarrollada por el escritor ganador del Oscar Neil Jordan, quien escribió guiones para la entrevista Con The Vampire y The Crying Game. Stiles interpreta a un comprador de arte que se casa con un multimillonario. Cuando una explosión en un yate mata a su esposo, ella descubre su lujoso estilo de vida y la fortuna se ganó con asesinatos, violencia y mentiras. El drama con Riviera no se detiene en la lista de créditos. Jordan ha rechazado recientemente el programa en una entrevista con The Guardian, a pesar de que la serie ha sido un éxito visto y descargado por millones de espectadores. Riviera es una serie de 10 partes que se estrena el 14 de septiembre en Sundance Now. También está protagonizada por Lena Olin (Chocolate) Adrian Lester (Hustle) Iwan Rheon (Juego de tronos) Anthony LaPaglia (Sin rastro) Dimitri Leonidas (Sinbad) y Phil Davis (Poldark. Si quieres ver Riviera en los Estados Unidos, puedes atraparlo usando una prueba gratuita de 7 días de Sundance Now. Encontrarás docenas de otras películas independientes y series originales. La aplicación Sundance Now funciona en los principales dispositivos de transmisión como Roku y Amazon Fire TV. Solo cancela antes del final de la prueba si decides no es para ti. Es una alternativa más barata a Netflix, y cuesta solo 6. 99 por mes. A continuación hay una lista de más películas y programas exclusivos que llegarán a Sundance Now en septiembre. Películas y programas de Sundance Now: septiembre de 2017 11 de septiembre: en el primer día de rodaje, James Franco, David Shields y Caleb Powell tiran el guión cuando se desata una discusión en la vida real entre ellos acerca de lo que se puede y no se puede usar en la película. Shields y Franco ceden a Powell para sacrificar todo por el bien de la película; Powell amenaza con irse; Shields se siente culpable por traicionar a Powell y Franco espera que todo esto se resuelva y se centre en la película. Creo que estás totalmente equivocado: una pelea: un debate, casi hasta la muerte, sobre la vida y el arte. 14/09: Julia Stiles protagoniza la nueva serie original de Sundance Now, Riviera. Después de que el recién nacido esposo multimillonario de Georginas, Constantine, es asesinado en una explosión de un yate, ella se sorprende al descubrir que la fortuna y el estilo de vida que mantuvo estaba rodeado de violencia, mentiras, secretos y asesinatos. Pronto debe salir de su zona de confort para proteger a la familia y a sí misma. 28/9: La exclusiva de Sundance Now, Trilogía de Hong Kong: preescolar, preocupada, absurda, por el director Christopher Doyle, es una historia de Hong Kong contada por tres generaciones de personas reales: 'niños preescolares,' jóvenes preocupados y 'absurdos Personas mayores. 1 de septiembre The Company (2007) - SOLO EN SUNDANCE NOW Las figuras de la vida real de la era de la Guerra Fría se mezclan con una historia ficticia basada en un grupo de agentes de la CIA y sus homólogos en el KGB, el MI6 y el Mossad. • Director: Mikael Salomon • Elenco: Chris ODonnell, Alfred Molina, Michael Keaton, Rory Cochrane, Alessandro Nivola • Premios: Golden Globe (nominado) Primetime Emmy Awards, Writers Guild 5 de septiembre Paydirt (1981) - SOLO EN SUNDANCE NOW A un thriller policial sobre una historia real lleno de vergonzosas e inminentes ironías. En un iridiscente Jardín del Edén en el país vinícola de Oregón, los ex-viticultores hippies trabajan duro y viven bien, obteniendo ganancias de la marihuana de cultivos comerciales. Cuando los gángsters violentos invaden, los productores se organizan y luchan por su tierra, y la acción resultante une la comedia con el comentario social a través de la fotografía prima. • Director: Penny Allen • Elenco: Eric Silverstein, Lola Desmond, Daniel Odell, Melody Bates Property (1979) - SOLO EN SUNDANCE NOW El primer largometraje ganador de Penny Allens Sundance se refiere a un grupo de marginales agradables y excéntricos en una búsqueda quijotesca para comprar su bloqueo de los desarrolladores, solo para luchar con la regularidad financiera que la mayoría de ellos rechaza naturalmente. Una película alegre, cariñosa y poco sentimental ambientada en el resplandor de la contracultura presenta un argumento emocionalmente válido para la necesidad de que la sociedad honre a sus forasteros. • Director: Penny Allen • Elenco: Walt Curtis, Lola Desmond, Nathaniel Haynes, Christopher Hershey • Premios: el primero) Sundance Film Festival Shifty (2008) - SOLO EN SUNDANCE NOW Shifty, un joven traficante de crack en Londres, ve su vida rápidamente se descontrola cuando su mejor amigo regresa a casa. Acosado por un cliente desesperado por anotar a toda costa, y con su familia a punto de darle la espalda para siempre, Shifty debe superar y burlar a un traficante de drogas rival, con la intención de prepararlo para una gran caída. Mientras su viejo amigo Chris se enfrenta al oscuro pasado que dejó detrás de él, Shifty se ve obligado a enfrentar el futuro violento hacia el que se precipita. • Director: Eran Creevy • Elenco: Riz Ahmed, Daniel Mays, Jason Flemyng, Nitin Ganatra • Premios: BAFTA (nominado) Festival Internacional de Cine de Ginebra, Festival de Cine de Estocolmo • Ángulo promocional: primer papel protagónico (largometraje) de Riz Ahmeds; nunca disponible en SVOD 7 de septiembre Nueva colección: Spies Like Us The Crimson Petal & The White (2011) - SOLO EN SUNDANCE NOW Basado en el éxito de ventas internacional de Michel Fabers. Entra en una Inglaterra victoriana que nunca has visto: arenosa, oscura e inquietante. Sigue la fortuna de Sugar, una notoria prostituta que anhela una vida mejor. Sexualmente experta, ambiciosa e inteligente, hechiza a William Rackham, heredero imprudente de un negocio de perfumes y esposo de una esposa que cae lentamente en la locura. A medida que sus vidas se entrelazan, se ponen en marcha eventos que los cambiarán para siempre. • Director: Marc Munden • Reparto: Romola Garai, Chris ODowd, Amanda Hale, Shirley Henderson • Premios: BAFTA Fingersmith (2005) Susan "Sue" Trinder es una herrería (argot británico para ladrón) que vive en los barrios bajos de Londres con un criador de bebés (persona que cuida a bebés no deseados) cksby. Cuando un hombre una vez rico, que apostaba todo su dinero, les presenta una estafa que tiene un pago de 40,000 libras, Sue se inscribe para estafar a la rica Maud Lilly. Maud es una huérfana que vive con su tío, pero ¿qué está pasando exactamente en la casa de Lilly? Sue se hará pasar por mucama Mauds para que el Sr. Rivers (el caballero) pueda acercarse y eventualmente casarse con ella. Su plan es poner a Maud en el manicomio y tomar el dinero para ellos. Sin embargo, todo se desvía cuando Sue se enamora de Maud. Y la pregunta es: ¿en quién puedes confiar? • Director: Aisling Walsh • Elenco: Sally Hawkins, Imelda Staunton, Rupert Evans, Charles Dance, Stephen Wright, Elaine Cassidy, Polly Hemingway • Premios: BAFTA (nominada) • Ángulo promocional: Sally Hawkins (The Shape Of Water lanza 12/8 ) Rupert Evans (The Man In The High Castle Temporada 3 que se lanzará el cuarto trimestre de 2017) 11 de septiembre Art & Craft (2014) - SOLO EN SUNDANCE NOW Cuando uno de los falsificadores de arte más prolíficos en la historia de los Estados Unidos finalmente se expone, debe confrontar El legado de su estafa de 30 años. • Director: Sam Cullman, Jennifer Grausman • Elenco: Mark Landis, Lester Sullivan, Irwin Lakov • Premios: Cinema Eye Honors, National Board of Review Creo que estás totalmente equivocado: una pelea (2014) - SOLO EN SUNDANCE NOW el primer día de rodaje, James Franco, David Shields y Caleb Powell tiran el guión cuando se desata una discusión en la vida real entre los tres sobre lo que se puede y no se puede usar en la película. Shields y Franco intimidan a Powell para sacrificar todo por el bien de la película; Powell amenaza con irse; Shields se siente culpable por traicionar a Powell y Franco espera que todo esto se resuelva y se enfoque en la película. Un debate, casi hasta la muerte, sobre la vida y el arte. • Director: James Franco • Elenco: James Franco, Caleb Powell, David Shields • Ángulo promocional: James Franco (The Deuce se estrena el 9/10 + The Disaster Artist se estrena el 12/8) Late For My Mothers Funeral (2013) - SOLO EN SUNDANCE AHORA El retrato íntimo de una familia marroquí en Argelia quedó a la deriva tras la muerte de su madre Zineb, una fuerza imponente y un contrabandista notorio. Uno tras otro, su descendencia se pone su vestido y la retrata, lo que resulta en una tormenta frente a sentimientos conflictivos. Dando vida a las identidades transfronterizas, la película encuentra su espacio entre el pasado y el presente, la ficción y el documental, París y el Magreb, el dolor y la alegría, siempre habitada por la presencia del difunto. • Director: Penny Allen • Elenco: Abdeljalil Zouhri, Samira Zouhri, Souaad Zouhri 12 de septiembre Pickle (2016) - SUNDANCE NOW SHORTS Una oda a la capacidad del hombre para cuidar a todas las criaturas a lo largo de su existencia a veces muy prolongada hasta su desaparición ocasionalmente repentina y desafortunada. • Directora: Amy Nicholson • Premios: fotograma completo, Festival de cine de la acera, Festival de cine de Traverse City, Aspen Shortsfest 14 de septiembre Riviera - Temporada 1 (2017) - UN SUNDANCE NOW ORIGINAL Después de que el recién nacido esposo multimillonario de Georginas Constantine muera en una explosión de yate, ella Se sorprende al descubrir que la fortuna y el estilo de vida que mantuvo estaba rodeado de violencia, mentiras, secretos y asesinatos. • Creador: Neil Jordan, basado en una idea de Paul McGuinness • Director: Hans Herbots, Philipp Kadelbach, Damon Thomas, Adrian Lester, Paul Walker • Reparto: Julia Stiles, Lena Olin, Adrian Lester, Iwan Rheon • Ángulo promocional: THE BIG SUNDANCE NOW SERIES 18 de septiembre País de Charlies (2013) Disgustado con la intervención de las leyes de Whitefella, Charlie se va a vivir a la antigua usanza y desencadena una reacción en cadena de dificultades esclarecedoras. • Director: Rolf de Heer • Elenco: David Gulpilil, Peter Djigirr, Luke Ford • Premios: Cannes, Premios AACTA (Australia) The Eclipse (2009) - SOLO EN SUNDANCE NOW En una ciudad costera irlandesa, un viudo chispea con un horror visitante novelista, mientras que él también comienza a creer que está viendo fantasmas. • Director: Conor McPherson • Elenco: Ciaran Hinds, Billy Roche, Eanna Hardwicke, Hannah Lynch, Aidan Quinn, Iben Hjejle • Premios: Tribeca Film Festival, Sitges, Irish Film & Television Awards • Ángulo promocional: Ciaran Hinds (Justice League lanza 11 / 17 + Woman Walks Ahead se estrena en TIFF 2017) Four Lions (2010) Cuatro incompetentes yihadistas británicos se dispusieron a entrenar y cometer un acto de terror. • Director: Christopher Morris • Elenco: Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay, Kayvan Novak, Adeel Akhtar, Julia Davis • Premios: BAFTA, Karlovy Vary, Festival de Cine de Los Ángeles, Festival Internacional de Cine de Hawai, Críticos de cine de San Diego The Soldiers Tale (2007) Un documental profundamente personal sobre la Guerra de Irak que nos lleva a lugares a los que no puede llegar una simple investigación periodística. El sargento R. se acerca al director Allen en un avión que se dirige a Estados Unidos con una computadora portátil llena de recuerdos electrónicos tomados por otros soldados: la "pornografía de guerra" digital que capturan en teléfonos inteligentes y que intercambian como tarjetas de béisbol. Después de que el soldado le envía un CD con todas sus imágenes, los dos se encuentran en un motel en algún lugar de la U. y él narra la guerra de Allen, antes de regresar al campo de batalla. • Director: Penny Allen • Elenco: Penny Allen 25 de septiembre Buzzard (2014) Paranoia obliga al pequeño estafador Marty a huir de su ciudad natal y esconderse en un peligroso Detroit. Con nada más que un bolsillo lleno de cheques falsos, su guante de poder y mal genio, el holgazán de metal de terror arremete. • Director: Joel Potrykus • Elenco: Joshua Burge, Joel Potrykus, Teri Ann Nelson, Jason Roth • Premios: Locarno, Festival Internacional de Cine de Ljubljana, Festival de Cine de Nashville The Double (2013) Un empleado de una agencia gubernamental encuentra que su vida poco envidiable recurra a lo horrible con la llegada de un nuevo compañero de trabajo que es a la vez su doble físico exacto y su opuesto: seguro, carismático y seductor con las mujeres. • Director: Richard Ayoade • Reparto: Jesse Eisenberg, Mia Wasikowska, Wallace Shawn, Noah Taylor, J. Mascis • Ángulo promocional: Jesse Eisenberg (Justice League se estrena el 11/17) Noah Taylor (Predicador saldrá al aire el 11 de septiembre) Transfatty Lives (2015) - SOLO EN SUNDANCE NOW A los 30 años, Patrick OBrien fue TransFatty: DJ de Nueva York, personalidad de Internet, cineasta. Luego fue diagnosticado con ELA. Con dos o cinco años de vida, Patrick desafía lo impensable y gira su cámara sobre sí mismo. Al carecer de autocompasión, captura la emoción, el humor y el absurdo de la vida real mientras crea arte, se vuelve político, se enamora y engendra un hijo. • Director: Patrick OBrien • Elenco: Patrick OBrien, Michele Dupree, Darin Hallinan, Steve Saling • Premios: Tribeca Film Festival 28 de septiembre Trilogía de Hong Kong: preescolar, preocupado, absurdo (2015) - UNA SUNDANCIA AHORA EXCLUSIVA Una historia de Hong Kong contada por tres generaciones de personas reales: "niños preescolares", jóvenes preocupados y "ciudadanos mayores absurdos". • Director: Christopher Doyle • Elenco: Pui Kit Chung, Kevin Lau, Ching Man Lip ¿Qué más hay en Sundance Now? Además de ver el programa de televisión Riviera, puede leer detenidamente la línea de películas que se actualiza cada mes. No hay compromiso con la prueba gratuita de 7 días que ofrece Sundance Now. Solo asegúrese de cancelar antes de que finalice su prueba. Sundance Now funciona en la mayoría de los principales dispositivos de transmisión como Roku y Amazon Fire TV. ¿Alguna vez has probado Sundance Now? ¿Cuál es tu plataforma de transmisión favorita? Cuéntale a tus lectores en los comentarios a continuación.

Corriente libre Hoeng gong saam bou kak garanti 100. Cine En su mejor momento, el documental da a su tema el espacio para exponer su visión de la moda profundamente populista. Publicado hace 22 minutos el 8 de febrero de 2020 Foto: Greenwich Entertainment Aunque la foto semanal de moda de Bill Cunninghams, "On the Street", había sido un pilar del New York Times durante más de dos décadas cuando Richard Presss Bill Cunningham New York estrenó en 2010, el documental fue la introducción de muchas personas a esta personalidad singular. Fotógrafo, etnógrafo e historiador de la moda, Cunningham ocasionalmente pasaba por un desfile de moda o una velada deslumbrante para tomar algunas fotos de los últimos estilos de alta costura. Pero él estaba más en su elemento en las calles de Nueva York, que recorría su bicicleta característica, tomando fotografías de los transeúntes con una de sus cámaras Nikon de la vieja escuela. Aunque es esencialmente un documental de perfil convencional, la película de Press permanece en la mente gracias a la peculiaridad fascinante de su tema: un asceta dolorosamente tímido que encontró una alegría en su trabajo que se negó a sí mismo en todos los demás aspectos de su vida. Mark Bozeks The Times of Bill Cunningham —que consiste en gran medida en imágenes de una larga y amplia entrevista de 1994 con Cunningham, desarrollada con fotos de archivo y alguna narración de voz en off de Sarah Jessica Parker— ofrece una visión más amplia de la vida de Cunningham que la película de Press. Cubre todo, desde sus primeros días como ingeniero hasta su trabajo con Chez Ninon en el guardarropa de Jackie Kennedy hasta su tiempo dedicado a catalogar los preparativos para cada una de las legendarias exposiciones de Diana Vreelands en el Museo de Arte Moderno. Pero también termina cubriendo gran parte del mismo terreno que el documental anterior, incluida la legendaria frugalidad de Cunningham, su desinterés impactante en su propio armario y su apartamento tipo cueva sobre el Carnegie Hall. La sombra de la película anterior se cierne tan grande sobre Bozeks que uno de los momentos más reveladores de la última es una anécdota sobre la primera: cuando Bill Cunningham New York se estrenó en la ciudad de Nueva York, Cunningham fotografió a los asistentes en la alfombra roja pero se negó a asistir. la proyección y nunca vio la película él mismo. A lo largo de la entrevista, la sonrisa de Cunninghams oculta su seria contemplación de la moda y su lugar en el mundo. Cunningham se vio a sí mismo no como artista ni como periodista, sino como historiador, un documentalista de la política y la agitación social que se refleja en las cosas que la gente usa. Y la película de Bozeks insinúa la profunda tristeza y soledad que Cunningham parece haber vivido toda su vida; Cuando se le hizo una pregunta relativamente inocua sobre qué, si acaso, lo entristece, se ahoga inmediatamente antes de revelar su profunda desesperación por la epidemia del SIDA. Más tarde, la película señala que, después de su muerte, se reveló que el pinchpenny Cunningham había donado millones de dólares tanto a la Iglesia Católica como a varias organizaciones benéficas para combatir la epidemia. Existe una tensión evidente entre esos dos receptores de la generosidad de Cunningham, uno tan fuertemente ligado a la comunidad gay y el otro tan feroz oponente de los derechos de los homosexuales, pero el documental nunca prueba el conflicto del hombre entre su fe y sus vínculos con el activismo gay, si había alguno en primer lugar. Por el contrario, Bozek enfatiza lo último, señalando que Cunninghams es pionero en la cobertura de las marchas de orgullo de Nueva York, evitando en gran medida cualquier discusión sobre lo primero. (Cunningham, de quien se rumoreaba que era gay, una vez desvió una pregunta de Press sobre su vida amorosa, alegando que la pregunta de si podría ser gay nunca se le había ocurrido, y parecía haber vivido una vida completamente desprovista de encuentros románticos The Times of Bill Cunningham se contenta con ofrecer una encuesta en gran parte alegre de la vida y el legado de sus sujetos, que es informativa y, gracias a la arrogancia de Cunninghams, con frecuencia encantadora. Pero Bozek a menudo socava el encanto natural de sus sujetos con un poco de cine torpe, incluso aficionado. —Caídas de aguja de Moby cursi, sartenes incómodos al estilo de Ken Burns sobre fotos digitalmente pixeladas, y una narración florida y superficial que se siente más dirigida a las élites de la moda de Manhattan que ansiaban desesperadamente que su foto apareciera en una de las piezas de Cunningham en el Times que el público amplio y popular para el que se diseñaron esas piezas. Cunningham siempre fue un extraño consumado en un mundo interno, grabando ritzy, hyper-exclusi cinco eventos mientras se niega tanto como un vaso de agua. En el mejor de los casos, The Times of Bill Cunningham le da a su tema el espacio para exponer su visión de la moda profundamente populista, una que mantuvo una distancia escéptica del enfoque de arriba hacia abajo diseñado por revistas como Vogue.Sin embargo, en el peor de los casos, la película socava el igualitarismo de Cunningham al vincularlo directamente con el tipo de esnobismo de élite y fijación de riqueza que aborrecía. Cuando Parker comienza a adular el valor monetario de las obras de arte y los diamantes descubiertos en el departamento de Cunninghams después de su muerte, o cita con aprobación la famosa frase de Anna Wintours: "Todos nos vestimos para Bill", prácticamente se puede escuchar al legendario humilde Cunningham dando vueltas en su tumba. Director: Mark Bozek Guionista: Mark Bozek Distribuidor: Greenwich Entertainment Duración: 74 min Calificación: NR Año: 2018 Nos comprometimos a mantener nuestro contenido gratuito y accesible, lo que significa que no hay pagos ni tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador SLANT: la película Mucho puede cambiar en una campaña en cuestión de semanas, incluso días. Publicado hace 22 horas el 7 de febrero de 2020 Foto: Searchlight Pictures Mucho puede cambiar en una campaña en cuestión de semanas, incluso días. Caso en cuestión: dos días después de que se anunciaran las nominaciones a los Premios de la Academia de este año, lo peor que pensamos que podría suceder en los Oscar fue la coronación de la mejor película de Joker, y dos días antes de la ceremonia, una película aún más pésima, Jojo Rabbit, parece más que solo nos gusta un spoiler muy real para el primer premio. O no. Podríamos estar experimentando una sobrecarga de crisis como consecuencia de vivir en un momento en que la democracia parece estar en retirada en todo el mundo, cuando lo peor que puede pasar a menudo sucede. A lo largo de los últimos 24 días, hemos contemplado varios cambios de péndulo, vínculos entre el proceso de votación de los Oscar y los caucus de Iowa, y generalmente reflexionamos sobre la crisis existencial en curso de la academia, llegando a la conclusión, una vez más, de que cuanto más cambien las cosas, más Se quedan igual. A continuación están nuestras predicciones finales de los Oscar. ¿Quieren más? Haga clic en los artículos individuales para obtener nuestras justificaciones y más, incluido quién creemos que debería ganar en las 24 categorías. Imagen: 1917 Director: Sam Mendes, 1917 Actor: Joaquin Phoenix, Joker Actriz: Renée Zellweger, Judy Actor de reparto: Brad Pitt, Érase una vez ... en Hollywood Actriz de reparto: Laura Dern, Marriage Story Guión original: Parásito Guión adaptado: Jojo Rabbit Idioma extranjero: Parasite Largometraje documental: Para Sama Largometraje animado: Toy Story 4 Documental Corto: Aprendiendo a patinar en una zona de guerra (si eres una niña) Corto animado: memorable Acción en vivo Corto: Hermandad Edición de película: Diseño de producción de parásito: Once Upon a Time ... en Hollywood Cinematografía: 1917 Diseño de vestuario: Little Women Maquillaje y peluquería: Joker Puntuación: Joker Song: “(Im Gonna) Love Me Again”, Rocketman Edición de sonido: Ford v Ferrari Mezcla de sonido: 1917 Efectos visuales: 1917 Se comprometieron para mantener nuestro contenido libre y accesible, lo que significa que no hay muros de pago o tarifas de suscripción, por lo que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador de SLANT: Premios ¿Cómo podría ser esencialmente no político 1 ¿No llega el 917 como dulce consuelo en nuestro momento cultural? Publicado hace 1 día el 7 de febrero de 2020 Foto: Universal Pictures Ahora tenemos aproximadamente una década de datos para postular cómo las papeletas de elección clasificada han alterado el resultado del máximo premio Oscar, y hemos llegado a comprender cuál es la noción de un Contendiente "más ampliamente gustado" en realidad implica. Y a raíz de las victorias para The Artist, Argo, 12 Years a Slave, Spotlight, The Shape of Water y, sobre todo, Green Book el año pasado, quedaron con la impresión de que el mayor cambio en lo que define una mejor imagen no es un cambio lo que. De hecho, lo que parece haber sucedido es que actuó como un baluarte, preservando la "tradición de calidad" de AMPAS en el primer premio durante una década en la que el concepto de un monstruo de Oscar que pasó de la mesa ha cambiado de las imágenes de las postales. de Out of Africa a épicas inmersivas como Gravity y Mad Max: Fury Road, las cuales ganaron dos o tres veces más premios que las películas que perdieron por el primer premio. Estuvieron lejos de ser los únicos que se dieron cuenta de que, salvo por la luz de la luna, los contornos de los ganadores de las mejores películas parecen estar yendo en dirección opuesta a donde los representantes de la Academia han indicado que quieren ir. Wesley Morris concluyó recientemente que, a pesar de su cariño, si no es francamente amoroso, para la mayoría de los principales contendientes de este año, la lista todavía no encaja con una academia supuestamente innovadora y totalmente innovadora: "No podrían estas nueve películas simplemente ser evidencia de gusto? ¿El buen gusto? Ciertamente podrían. Son. Y sin embargo ... el montaje de estas películas se siente como una reacción alérgica del cuerpo a sus propios esfuerzos de rehabilitación. El refrán jovial de Melissa Villaseñors de "ira masculina blanca" hace dos semanas redujo a sabiendas este ciclo de premios a términos absurdamente negros o blancos, pero si los comentarios de YouTube sobre ese poco de SNL son una indicación, los hombres blancos furiosos no están de humor para tienen sentido del humor sobre sí mismos, mucho menos bienvenidos introspección seria. Tampoco es eso demográfico solo en su descontento. Lo que fue antaño "votante de Oscar brutalmente honesto" se ha convertido en el "votante de Oscar alegre, incurantemente sexista, racista y xenófobo de hoy en día". "Como dice el refrán, así es como se ve la democracia, y dados sentimientos como" No creo que las películas extranjeras deberían ser nominadas con las películas regulares "y" deberían haber conseguido una actriz estadounidense para interpretar a Harriet ", se parece mucho la segunda venida de las gorgonas de chismes de la Edad de Oro de Hollywood, Hedda Hopper y Louella Parsons. Puede ser una exageración, pero podemos imaginar que, para muchos votantes, el presunto favorito, Sam Mendess 1917, se parece mucho menos a una misión de videojuego en primera persona y mucho más representativo de lo que se siente navegar por nuestra mina terrestre. paisaje cultural extendido como su miembro promedio de la academia políticamente neoliberal y artísticamente reaccionario alrededor de 2020. Especialmente uno obligado a tomar decisiones rápidas en medio de un calendario acelerado de los Oscar. E incluso si eso es, retóricamente hablando, un puente demasiado lejos, no se puede negar el telón de fondo de la fatiga representacional y la retirada sociopolítica que está viviendo la América liberal. ¿Cómo podrían los labios rígidos, decididos, técnicamente impecables, silenciosamente heroicos y, lo más importante, esencialmente no políticos de 1917 no llegar como dulce consuelo en este momento? Es la misma razón por la que sospechamos que, a pesar de las papeletas de elección clasificada que empujan a Bong Joon-hos locamente y en general le gustaba a Parasite en una gran disputa por el premio, en realidad es Taika Waititis Jojo Rabbit lo que más tememos que sea una sorpresa. Después de todo, ¿cuántos votantes de los Oscar están aún más preocupados por los nazis que por la desigualdad global de ingresos? O, si prefiere, ¿cuántas de sus casas se parecen más a los Parques que a los Kim? Ganará: 1917 Podría ganar: Jojo Rabbit podría ganar: Parasite debería ganar: The Irishman, Once Upon a Time ... en Hollywood o Parasite se comprometieron a mantener nuestro contenido gratuito y accesible, lo que significa que no hay pagos ni tarifas de suscripción, así que si lo desea lo que hacemos, considera convertirte en un mecenas SLANT: Características Con motivo del lanzamiento de Birds of Prey, clasificamos los siete títulos del Universo Extendido de DC de peor a mejor. Publicado hace 2 días el 6 de febrero de 2020 Foto: Warner Bros. Esta semana marca el lanzamiento de la octava película en el Universo Extendido de DC, Birds of Prey, que Chris Basanti de Slant cantó por su "complot de la tierra de la criminalidad, demasiado ansioso". y puñaladas sin éxito en el humor subversivo, y la falta de reunir su conjunto hasta demasiado tarde en la película. Aún así, efectivamente aplaude al Escuadrón Suicida en un punto, y se resiste a caer bajo el hechizo del Joker. Con motivo del lanzamiento de Birds of Prey, clasificamos los ocho títulos del Universo Extendido de DC de peor a mejor. Alexa Camp 8. Suicide Squad (David Ayer, 2016) El trabajo de personajes huecos de Jared Letos coincide con el estilo vacío de la representación visual de David Ayers del Joker, todos tatuajes tontos y rejillas de dientes. La dirección de Ayers aspira al tipo de basura frenética que recuerda a Oliver Stones en su trabajo más externo, y casualmente, los mejores momentos de la película representan el romance entre Harley Quinn (Margot Robbie) y el Joker de manera similar a la relación en el corazón de Natural Born Killers . En uno de los pocos momentos fascinantes de Suicide Squad, la pareja salta a una tina del mismo ácido que desfiguraba al Joker y comparte un beso apasionado mientras su ropa se derrite, enviando chorros de tinte rojo y azul al líquido amarillo sucio. Sin embargo, en otros lugares, la película adopta los patrones de disparo funcionales y las paletas desaturadas comunes al cine de superhéroes contemporáneo. La hiperactividad que impulsó películas como End of Watch y Fury es ideal para este material, pero Suicide Squad nunca llega a ser una alternativa maníaca y desenfrenada a la propensión de los géneros hacia la severidad adusta y una estética cada vez más uniforme. Al igual que los criminales reclutados, la película anhela ser mala, pero es forzada por presiones externas a seguir reglas estrictas y preestablecidas. Jake Cole 7. Justice League (Zack Snyder, 2017) Más allá de la sustitución de una propiedad intelectual por otra, prácticamente nada sobre Justice League se distingue de lo que estaba haciendo Marvel Cinematic Universe hace cinco años. Sin embargo, el estilo de las películas es muy propio de Zack Snyders. El cineasta continúa obsesionado por adaptar a sus personajes a un marco político, con material sombrío enraizado en el malestar económico. Las imágenes de la granja de la familia Kent ejecutada en ausencia de Supermans (Henry Cavill) hablan de una especie de villanía mortal y banal que trabaja más sutilmente en las personas que el horror cataclísmico que los seres con superpoderes les han visitado. Pero Snyder nuevamente se apoya en su propensión a las imágenes desaturadas, tanto que incluso las escenas llenas de luz solar parecen desvanecidas. Tal tristeza es consistente con sus anteriores películas de DC, pero aún es difícil determinar cuánto Justice League quiere que admiremos a sus superhéroes con la forma en que la película subraya lo poco que animan el mundo que protegen. Cole 6. Aquaman (James Wan, 2018) “¡Llámame Ocean Master! King Orm (Patrick Wilson), el villano de James Wans Aquaman, grita portentosamente al comienzo de la escena culminante de la película. El último intento de Warner Bros. de alejar su marca de DC del masoquismo sombrío que marcó (y estropeó) películas como Man of Steel abarca la fantasía, pero para Wan y los guionistas David Leslie Johnson-McGoldrick y Will Beall, esto resulta en su mayoría significa que los personajes proclaman sus nombres tontos de cómics de la manera más asertiva posible. En el mejor de los casos, las películas de acción bajo el agua, con sus tomas de viaje que atraviesan multitudes de fantásticas especies marinas y ruinas clásicas incrustadas de musgo, son un espectáculo vibrante y estéticamente fascinante. Sin embargo, en sus momentos más débiles, la película ofrece un desfile de vistas del fondo del océano que evocan la construcción mundial sin sustancia de la segunda trilogía de Star Wars de George Lucas, un paisaje digital sobresaturado de superficies lisas y diseños de aspecto costoso. La ingravidez de las peleas generadas con CG se ve agravada por las peleas entre personas suspendidas en el agua, y la falta de sexo de las películas de superhéroes solo se enfatiza por el romance superficial entre dos protagonistas que parecen haber sido elegidos en gran parte porque se ven bien empapados. Pat Brown 5. Birds of Prey (Cathy Yan, 2020) El subtítulo autoconscientemente adornado para Cathy Yans Birds of Prey - Y la fabulosa emancipación de una Harley Quinn - explica la razón de la existencia de esta película mucho mejor que los primeros 45 minutos más o menos de la exposición desordenada que sigue. En teoría, la tonta y tímida historia de una traumatizada pero finalmente triunfante "rudo" que se libera de ser una dulce bailarina para su novio villano masticador de paisajes para hacerse un nombre y una vida para ella sería bienvenida. Además de un canon de películas todavía esclavizadas por tipos hiper-buff e hiper-serios. También en teoría, rodearla con un escuadrón de pateadoras femeninas igualmente feroces y sarcásticas tiene el potencial para el lanzamiento de una gran franquicia: Think Guardians of the Galaxy a través de Barb Wire. Pero dado que la película nunca puede darse cuenta de cuán en serio tomar a su heroína, o ganar una travesura a medio camino para que ella nos guíe, lo que podría haber sido una emancipación termina sintiéndose más como una trampa para ella. Chris Barsanti 4. Batman v Superman: Dawn of Justice (Zack Snyder, 2016) Zack Snyders Batman v Superman: Dawn of Justice es un cuaderno de ideas repleto de ideas para media docena de aventuras de superhéroes potencialmente sorprendentes. Uno puede sentir a Snyder apuntando a una obra maestra obsesiva mientras intenta complacer a los inversores con la generalidad expositiva que se requiere de los éxitos de taquilla globales. La película quiere ser un tratado sobre Cómo vivimos, incursionando en una increíble iconografía religiosa y mirando significantes de infraestructura, pero no puede comprometerse con ninguna visión específica por temor a alienar a los consumidores. Comprende momentos y gestos autónomos, algunos de los cuales son impresionantes por derecho propio, pero que no pueden respirar acumulativamente. Ofrece una disculpa por el daño colateral masivo que marcó el clímax del Hombre de Acero al tiempo que se deleita con más daños, lo que resulta en más dobladillos temáticos y hawing que englobaron las películas de Batman comparativamente elegantes de Christopher Nolans. Cada pocos minutos, un personaje pronuncia un bon mot que tiene la intención de impresionarnos la profundidad y relevancia de las películas para una cultura atormentada por el terrorismo y una peligrosa desconfianza y resentimiento de la población hacia la autoridad gubernamental. Después de casi dos horas de este ajetreo, uno se pregunta por qué todavía no hemos podido ver a Batman pelear contra Superman. Chuck Bowen 3. Wonder Woman (Patty Jenkins, 2017) Wonder Woman es, particularmente en la primera hora, una película notablemente boyante e incluso relajada, que permite una larga conversación entre Diana (Gal Gadot) y Steve Trevor (Chris Pine). ininterrumpido, simplemente disfrutando de la atmósfera de espesa tensión sexual entre ellos. Suavemente editado y realmente divertido, es el tipo de escena que sería hackeada y cargada de ominoso portento en una película como Batman v Superman: Dawn of Justice. En esencia, la película trata sobre ver a una mujer rudo patear un trasero. Y en este sentido, la película ofrece, ofreciendo secuencias de pelea ágiles y flexibles con Diana deslizándose por el aire, salpicada por manchas pictóricas de luz y fuego. Y crea al menos una imagen indeleble: Diana, tranquila pero decididamente, cruza la tierra de nadie mientras el fuego de artillería alemana zumba a su alrededor. Sin embargo, como en muchas películas de superhéroes, la batalla final es un revoltijo excesivamente complicado de explosiones CGI y ubicuo rayo azul, librado contra un villano aparentemente arbitrario, en este caso un gigante con armadura que parece que salió de la tapa de un Molly. Álbum de hacha. Esto lleva a las películas a la debilidad fundamental: que el género en el que opera se ha osificado. El personaje central y los matices ligeramente pervertidos pueden distinguir a Wonder Woman de sus predecesores en el universo de los superhéroes, pero la película sigue siendo víctima de trampas familiares: un exceso de personajes secundarios subdesarrollados y villanos poco intimidantes, una mitología demasiado complicada y una reducción del interior de sus personajes. vive para pronunciaciones insípidas sobre la verdad, el deber y el amor. Keith Watson 2. Shazam! David F. Sandberg, 2019) Las películas no carecen de historias de superhéroes que aborden la angustia y el aislamiento de los jóvenes que son radicalmente diferentes de los que los rodean. ¡Pero pocos de ellos son como David F. Sandbergs Shazam! que pone en primer plano la avalancha de desconcierto y euforia que se apodera de un niño desanimado que de repente recibe el poder de un dios, lo que le permite evitar todos los escollos y las ansiedades de la adolescencia. Billy Batson (Asher Angel) es un niño adoptivo de 14 años que fue transformado por un mago (Djimon Hounsou) en el adulto Shazam (Zachary Levi) y encargado de defender el mundo contra los Siete Pecados Capitales. Para el crédito de las películas, trata con inteligencia esta premisa como inherentemente absurda, encarnada de inmediato en la incapacidad de Billys de dejar de reírse cuando se presenta por primera vez con esta búsqueda. Shazam! ve a DC combinando el optimismo de la edad de oro propugnada por Wonder Woman y la tontería jubilosa y consciente de Aquaman en un todo satisfactorio, incluso si el alcance estrecho del conflicto de Billy y Sivanas conduce a períodos de inactividad donde los puntos temáticos y narrativos se reafirman en detrimento de las películas, por lo demás, a buen ritmo. En marcado contraste con el políticamente nihilista y estéticamente sombrío Batman vs. Superman, ¡Shazam! ofrece un retroceso encantador e incluso conmovedor al sentido aspiracional de pertenencia que marca tantos cómics. Cole 1. Man of Steel (Zack Snyder, 2013) Zack Snyders Man of Steel es un trabajo sorprendentemente reflexivo en su examen de la responsabilidad política y personal, y en última instancia, un llamado a las armas contra la guerra, tanto física como ideológica. Es militarista sin ser fascista, patriótico sin ser nacionalista: una extraña amalgama de ciencia ficción dura y abierta alegoría religiosa. También es una película históricamente en tiempo presente, que nos da un Superman para un mundo posterior al 11 de septiembre, no muy diferente de Superman Returns, aunque de manera más explícita. Comenzando con la destrucción de Krypton como resultado de un método de extracción de recursos excesivamente usado y fracking, la película rápidamente contrasta que los planetas mueren, arrojando géiseres de fuego antes de colapsar escalofriantemente en una estrella en miniatura, con el tumulto político y ambiental. de nuestro propio mundo: quemar plataformas petroleras, derretir campos de hielo, las corporaciones se vuelven locas. Mucho más se ha hecho de las películas de destrucción masiva en el tercer acto, en las que Superman (Henry Cavill) y el General Zod (Michael Shannon, deliciosamente loco) libran una guerra de proporciones del tamaño de Godzilla en una ciudad aún poblada. Su millaje variará en función de su inversión / adhesión al canon de Superman, pero a estos ojos, el único caso de héroes titulares de juicio fallido, es decir, llevar la lucha cada vez más directa al corazón de Smallville, donde abundan personas inocentes. fácilmente perdonable, si es por razones indudablemente personales: solo alguien que busca patear el trasero con rabia ciega sería lo suficientemente tonto como para amenazar a la madre de Supermans. Rob Humanick se comprometió a mantener nuestro contenido gratuito y accesible, es decir, sin pagos ni tarifas de suscripción, por lo que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador de SLANT: Film Birds of Prey se siente a veces menos como su propia historia y más como un trailer de lo que viene después. El subtítulo tímidamente adornado para Birds of Prey, y la fabulosa emancipación de una Harley Quinn, explica la razón de la existencia de esta película mucho mejor que los primeros 45 minutos de exposición desordenada que siguen.En teoría, la tonta y tímida historia de una "rudo y rudo" que se libera de ser tan dulce como bailarín para que su novio villano se forje una vida sería una adición bienvenida a un canon de películas que todavía están esclavizadas por tipos hiper-buff e hiper-serios. Y rodearla con un escuadrón de pateadoras femeninas igualmente feroces y sarcásticas tiene el potencial de una franquicia cómica vibrante y pop-punk: Piensa en Guardians of the Galaxy a través de Barb Wire. Pero dado que la película nunca puede descubrir qué tan en serio se toma a su heroína, o cómo obtener una travesura a medio camino, lo que podría haber sido una emancipación termina sintiéndose más como una trampa para el personaje. Una chica rusa homosexual y deslumbrante con un mazo con un doctorado en psicología enterrada en algún lugar debajo de su estado de ánimo maníaco y acento de Noo Joisey, Harley Quinn (Margot Robbie) era casi la única chispa en el director David Ayers Sugid Squad. Teóricamente se liberó de ser el fanático de los Jokers, mientras disfruta de la protección que viene con todos pensando que todavía están juntos, Harley comienza Birds of Prey en plena flor de fiesta de motociclista. Mientras ella lo rompe en el club nocturno del jefe del crimen Roman (Ewan McGregor) a. k. a. Black Mask, la maquinaria de una franquicia de superhéroes más grande entra en acción a su alrededor. En un giro más terrenal de Marvels Infinity Stone McGuffins, el guión de Christina Hodson pasa de moda. Aquí, Roman y sus matones están buscando un diamante y matando a cualquiera que se interponga en su camino. El erizo carterista Cassandra (Ella Jay Basco) lo roba por accidente. Al unirse para mantener viva a Cassandra, Harley y su banda de heroínas sueltas, que van desde la detective alcohólica Renee (Rosie Pérez) hasta Black Canary (Jurnee Smollett-Bell), una cantante con una patada de karate mala y un asesino atractivo con un arco tonto. Cazadora (Mary Elizabeth Winstead): todos encuentran su propio tipo de emancipación en medio de los disparos de ballesta y los backflips de grado WrestleMania. Mientras tanto, Harley corre, salta y patina sobre todos los policías y ladrones que la tienen en la mira. La película de Cathy Yans hace un trabajo de mala calidad al unir a todos estos personajes mientras vigila a las travesuras de Harleys. En cambio, hay un mayor enfoque en el sadismo casual que se ha convertido en una de las características más deprimentes del Universo DC. Al principio, trataron a Roman y a su cicatrizado adulador, Víctor (Chris Messina, que exuda mucho más magnetismo del que merece el papel) riendo mientras esculpe las caras de un rival de la mafia y su familia. Es completamente brutal y jugó completamente para reír. Una escena posterior en la que Roman humilla a una mujer y la obliga a desnudarse en público es menos sangrienta pero igual de gratuita. En otros lugares, las escenas de lucha de Bird of Prey se coreografían con poca imaginación y una gran cantidad de atención en romper huesos. Una pieza prometedora, una secuencia de medio sueño que riffs en la secuencia "Diamonds Are a Girls Best Friend" de Howard Hawkss Gentlemen Prefer Blondes intenta ilustrar la mentalidad agrietada de Harley: parte bomba coqueta, parte reina asesina del gallinero, todo mezclado con una locura de Adderall, sustituyendo rifles de asalto y máscaras de esclavitud por joyas y pieles. Pero ya casi termina antes de sudar, todo sugiere un video musical de Lady Gaga medio esbozado. Lo que Birds of Prey tiene para lograr es una mirada menos importante y menos importante que Suicide Squad. Liberada de su estado anterior como la bimbo de los hot-pants, Harley puede llevar algunos tramos de esta película estrictamente sobre su narración efervescente y un optimismo optimista que la impulsa a través de una situación aparentemente no ganadora tras otra. Su asalto al estilo Terminator en una estación de policía, empuña un lanzagranadas lleno de balas de humo y bombas de brillo, es uno de los únicos momentos que logra el júbilo anárquico que la película de otra manera tensa. En lugar de dejar que otra película caiga bajo el hechizo del Joker, que asoma en la imaginación de todos aquí, los cineastas perforan ese globo con rápida eficiencia. Después de que Harley rapsodiza sobre "Mr. J "como una ex novia en conflicto preguntándose si deberían haberse separado, Cassandra lo deja claro:" Suena como un idiota. "Es un clapback efectivo en Suicide Squad. Sí, Harley se liberó del Joker y encontró una nueva pandilla con la que paliar o pelear (dependiendo de su estado de ánimo. Pero las historias recuerdan el complot de Crimeland, las puñaladas excesivamente ansiosas y fracasadas en el humor subversivo y el fracaso para unir su conjunto hasta que sea demasiado tarde en la película, no la dejes con ningún lugar particularmente interesante para ir. El personaje de Harley podría estar emancipado, pero la historia un tanto rutinaria y franquicia en la que está atrapada no está tan unida. Como muchas películas en el cómic actual -la embestida del libro, Birds of Prey se siente a veces menos como su propia historia y más como un trailer de lo que vendrá después. Reparto: Margot Robbie, Rosie Perez, Mary Elizabeth Winstead, Jurnee Smollett-Bell, Ewan McGregor, Ella Jay Basco, Chris Messina, Ali Wong Director: Cathy Yan Guionista: Christina Hodson Distribuidora: Warner Bros. Duración: 109 min Calificación: R Año: 2020 Comprar: Soundtrack Nos comprometimos a mantener nuestro contenido gratuito y accesible, lo que significa que no hay paywalls ni sub tarifas de inscripción, así que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador de SLANT: Premios Dada la larga historia de la academia y el abrazo resurgente de los triunfos técnicos, no contuvimos la respiración por un malestar aquí. Publicado hace 2 días el 6 de febrero de 2020 Foto: Universal Pictures La semana pasada, cuando Eric me llamó la atención sobre el artículo del New York Times que expuso el mito de que Hollywood estaba en el tanque de películas sobre la industria, usé la pieza como punto de partida de por qué Quentin Tarantino era vulnerable en la categoría de guión original. En ese momento, pensé que estaba pisando los pies de Erics haciendo referencia a su información, creyendo que estaba acusado de dar a nuestros lectores la información más clara en esta categoría. Resulta que tenía la tarea de agilizar nuestra versión del concurso de edición de películas, lo que significa que había pisado mis propios pies. Es decir, casi todo lo que ya dije sobre por qué es probable que QT se quede corto en el guión original se aplica aquí, y algo más. De hecho, así como las matemáticas nos dicen que la adulación de la academia por los retratos de Hollywood que miran el ombligo ha sido exagerada por los medios de comunicación, también nos dice que este premio es Sam Mendess a perder después de que el director de 1917 ganó el premio DGA, el más preciso de todos los precursores del Oscar, habiendo predicho el ganador aquí 64 veces en 71 años. Una victoria por la precisión de pinchazos de la dirección de Bong Joon-hos de Parasite sería una sorpresa sorprendente, ya que arrojaría varias estadísticas por la ventana y, a su vez, nos entusiasmaría un poco más sobre la predicción de los Oscar el próximo año. . Pero dada la larga historia de la academia y el resurgimiento de los triunfos técnicos (créenos, los cálculos matemáticos) no contuvieron la respiración. Ganará: Sam Mendes, 1917 Podría ganar: Bong Joon-ho, Parásito debería ganar: Martin Scorsese, El irlandés se comprometió a mantener nuestro contenido libre y accesible, lo que significa que no hay muros de pago o tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, por favor considere convertirse en un patrocinador de SLANT: Premios Lo único más ruidoso que el vroom-vroom de la épica del padre de James Mangolds es el coro ensordecedor de “Best. Película. Nunca. ”Publicado hace 3 días el 5 de febrero de 2020 Foto: Neon T su lunes pasado, mientras la nación esperaba hora tras hora embarazosa para que los resultados del caucus de Iowa comenzaran a aparecer, Film Twitter se desconcertó por un tweet de AMPAS que parecía filtrarse Oscar este año ganadores, incluso antes de que se cerrara la ventana de votación. No ayudó mucho que la lista de "predicciones" tuiteadas por la academia pareciera lo suficientemente plausible como para ser real, hasta el parásito Bong Joon-hos para la mejor película. Al final resultó que, los problemas de la academia no eran tan diferentes a los de la aplicación DNC que englobaba las obras, como el New York Post lo llamaba poco a poco, "Duh Moines. "Y efectivamente, AMPAS confesó ante un gremlin de control de calidad (lo siento," problema ") que resultó en que alguien hiciera predicciones personales en la cuenta principal. Como Iowas Snaff reafirmó que la navaja de afeitar Occams no es solo algo que necesita para mantenerse fuera de las manos de Arthur Flecks, estaba 100% seguro de que el interno que publicó esa boleta en la cuenta de la academia tenía la intención de publicarla en su cuenta personal. Hablando de Joker, si nos hubieras preguntado incluso hace unos días si creíamos que Ford v Ferrari era más probable que el meme húmedo de Todd Phillipss para llevarse el Oscar en la categoría que con frecuencia se ha caracterizado como el mejor referente para una película en general Las mejores posibilidades de imagen, probablemente nos hemos derrumbado en un ataque de risas incontrolables. Y, sin embargo, con una victoria en la edición de la película BAFTA a favor de Ford v Ferrari, no fueron los únicos que se preguntaban si el nominado a la mejor película menos nominado en realidad tiene más en su tanque de lo que parece. Sin embargo, lo único más fuerte que la vroom-vroom de la épica del padre de James Mangolds es el coro ensordecedor de "Best". "Siendo cantada en nombre del parásito, y de hecho, fue seleccionada como la academia no oficial, predicción accidental en esta categoría. Como Ed señaló ayer, el impulso está a su favor como ninguna otra película este año. Bueno, tal vez uno más, y fue una simple providencia que la gestalt de un solo golpe mantuviera a Sam Mendess 1917 fuera de la boleta electoral aquí, o de lo contrario una de las llamadas más duras de la noche podría haber sido mucho más dura. Ganará: el parásito podría ganar: Ford v Ferrari debería ganar: el parásito Nos comprometimos a mantener nuestro contenido libre y accesible, lo que significa que no hay muros de pago ni tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un mecenas SLANT: Film Levan Akin ofrece un deslumbrante romance gay como la pieza central de la que irradian todas sus otras ideas. Publicado hace 4 días el 4 de febrero de 2020 Foto: Music Box Films El escritor y director Levan Akins deconstrucción de la danza tradicional georgiana es una de las fuerzas impulsoras de And Then We Danced. La secuencia de créditos de apertura, que se entremezcla con imágenes de archivo del baile, configura la película como una rumia sobre temas nacionales. Eventualmente aterrizamos en un estrecho primer plano de Merab (Levan Gelbakhiani) mientras se entrena para el competitivo National Georgian Ensemble. La suya es una búsqueda intensamente masculina, y el efímero Merab está luchando por mantenerse al día con los otros hombres. "Eres demasiado blando, deberías ser como un monumento", dice su bruiser de un instructor, Aleko (Kakha Gogidze. Akin usa las tensiones de la sala de ensayo para observar los límites de la movilidad social, ofreciendo un romance gay deslumbrante como pieza central de donde irradian todas sus otras ideas. El rayo que enciende el alma de Merabs es el carismático Irakli (Bachi Valishvili. Con un arete mientras entra al estudio de baile Alekos, Irakli es un bailarín dotado de forma natural, aunque aparentemente está desilusionado sobre la naturaleza ritualista de Danza georgiana. Akin captura a las parejas que crecen lentamente a través de un patrón de gestos intensos, desde miradas y pinceles minuciosos hasta la incapacidad de Merab e Iraklis de dejar de sonreír. Su viaje de la amistad al romance es casi invisible. La cámara de Lisabi Fridells rodea a los personajes , empujando intensamente la tensión emocional que siente Merab mientras entrena, sale con sus amigos o navega por su vida hogareña. más cerca hasta que explore sus cuerpos junto con ellos, llevando sutilmente a la audiencia directamente al espacio de la cabeza de Merabs. La familia Merabs lucha por llegar a fin de mes, pero él empuja esa preocupación al fondo de su mente mientras tiende a su autodescubrimiento: a través de la música, el baile y apoyando la cabeza en su compañero. Esta es la primera vez que Merab se permite sentirse a gusto con alguien, ya que su entrenamiento ultra competitivo lo había convertido en una isla única. Y fuera del estudio de danza, entra en contacto creciente con una sección transversal de la sociedad, desde sus amigos, padres ricos hasta mujeres trans y clubbers. Hes ampliamente aceptado, encontrar una nación que sea más progresista que la cultura estricta en torno a la danza georgiana podría hacerte creer. Tal vez sea esa perspectiva intensamente sentida a la que los grupos de extrema derecha temían, ya que amenazaron con violencia en los poseedores de boletos en Tbilisi y Batumi el año pasado. La ortodoxia católica denunció la película por ir en contra de la tradición georgiana y respaldar la homosexualidad, porque en lugar de representar personajes derrotados por sus problemas económicos y persecución, sufriendo por sus impulsos, Akin ve su alegría, libertad y autorrealización. Y luego bailamos, tan mareado como recorre las calles de la ciudad y refleja sus personajes joie de vivre, es una carta de amor de Georgia. Pero cuando la cámara se acerca para resaltar las albóndigas Khinkali, o las actuaciones callejeras de Tbilisi, o Irakli aturdido por el pan fresco, la película puede parecer turística. Akin es sueco pero de ascendencia georgiana, por lo que pone un ojo extraño en el escenario de la película, incluso una perspectiva liberal claramente escandinava de la realidad georgiana más autoritaria evidenciada por las protestas antes mencionadas. Y, sin embargo, estos conflictos se unen en la danza georgiana, que puede parecer al extraño como un cruce entre el ballet y el ritual de apareamiento. "Es el espíritu de nuestra nación", dice el temible director de conjunto de Soso Abramishvilis, lo que implica que Merab es demasiado afeminado para encarnar la identidad georgiana. Su fluidez le permite desarrollar un estilo diferente de baile que se aleja de la rigidez de los roles de género. Eso es aborrecible para el establecimiento de danza, porque está reinventando la danza georgiana, tomando su forma y modernizándola, reflejando el país que experimenta a través de la película. Y Akin yuxtapone la fluidez de Merabs cuando se presenta a su padre en gran parte ausente (Aleko Begalishvili), quien una vez fue un gran bailarín georgiano. Si defender el espíritu de las naciones es lo que hace a un bailarín exitoso, entonces vemos en el padre de Merabs un hombre anónimo y sucio que vive de glorias anteriores. Akin no tiene pretensiones en tratar con sus personajes principales, una historia de amor secreta, al instante se centra en lo que hace que los encuentros entre el sensible Merab y el arrogante Irakli sean tan profundamente importantes para ellos: Irakli tarda un segundo demasiado en reaccionar con ira cuando alguien pregunta si su novia es buena en la cama; Merab olisqueando la camiseta de Iraklis cuando está solo en el vestuario; la luz de la luna golpeando su piel desnuda mientras se abrazan debajo de una roca. En unos apretados 100 minutos, And Then We Danced brisa a través de su evaluación de la tradición georgiana, con la generosa actuación de Gelbakhian que controla casi todas las escenas. Esto no es solo el cine como buena ciudadanía, también es un drama apasionante, y eso es lo que hace que su política sea tan efectiva. Elenco: Levan Gelbakhiani, Bachi Valishvili, Ana Javakishvili, Giorgi Tsereteli, Kakha Gogidze, Tamar Bukhnikashvili, Ana Makharadze, Levan Gabrava, Marika Gogichaishvili, Aleko Begalishvili, Ninutsa Gabisonia. 112 min Calificación: NR Año: 2019 Nos comprometimos a mantener nuestro contenido gratuito y accesible, lo que significa que no hay muros de pago ni tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador SLANT: Película La incomodidad de las películas expresa el dolor y confusión de lucha con verdades que sacuden la concepción de identidad. Publicado hace 4 días el 4 de febrero de 2020 Foto: Oscilloscope Laboratories Como muchas películas de directores afroamericanos, Horace B. Jenkinss Cane River alguna vez se consideró perdido. La película fue producida entre otras exploraciones históricas de la raza en Estados Unidos, llegando inicialmente a los cines varios años después de Bill Gunns Ganja & Hess, casi al mismo tiempo que Kathleen Collinss Losing Ground, y solo unos años antes del debut de Spike Lees. Ella tiene que tenerlo. La producción de Jenkinss carece de la sofisticación de esas otras películas, pero tiene una belleza y una ambición que marcaron a Jenkins como un talento prometedor. Moriría a los 42 años poco después de completar Cane River. Muchos romances populares de cine, especialmente aquellos centrados en parejas blancas, dan por sentado cómo los antecedentes de los protagonistas informan su vida romántica. Puede haber complicaciones triviales, generalmente debido a identidades revueltas, pero generalmente se entiende que las cosas funcionan como por predestinación. Por el contrario, las películas de la nueva ola afroamericana de los años setenta y ochenta a menudo tratan sobre las complicaciones en sí mismas, más que sobre la catarsis de engancharse. En esta tradición, Cane River se compone de una serie de conversaciones sobre el control que la historia, a saber, de las atrocidades racistas, tiene en la actualidad. Peter Metoyer (Richard Romain) regresa a su ciudad natal de Louisiana desde la universidad y es recibido por amigos y familiares como un héroe conquistador. Nos enteramos de que podría haber jugado para los Jets, pero se sintió incómodo con la forma en que fue tratado durante el draft de N. F. L. como un "espécimen", una de las películas con muchas observaciones contundentes sobre la raza y la clase. Peter ahora quiere ser un poeta, y su prosa, en un toque ingeniosamente metatextual, refleja la letra de las canciones de las películas, que a menudo acompañan a los cursis montajes de Peter coqueteando y charlando con Maria (Tommye Myrick) a quien conoce mientras recorre un viejo Melrose. plantación. Peter es un católico criollo de piel clara, mientras que María y su familia son bautistas de piel oscura de Nachitoches. La familia Peters era más próspera que Marias en el apogeo de la esclavitud estadounidense, dirigía la plantación Melrose y poseía esclavos, incluidos los miembros de la familia Marias. Estos eventos pueden ser 200 años en el pasado, pero están muy en la mente de la familia Marias a medida que ella y Peter se vuelven amigables. Peter está dividido conmovedoramente por este legado, sintiendo vergüenza por el uso de esclavos por parte de sus clanes Metoyer, así como orgullo por su capacidad de poseer tierras, que recientemente les fue robado por un abogado blanco. Este es un marco urgente y robusto para un drama romántico, y Jenkins contrasta su ardiente diálogo con imágenes líricas del campo de Luisiana. Las nostálgicas composiciones iluminadas por el sol (de lagos, granjas, caballos, flores) sugieren un Edén que se entiende complicado por el pecado moderno. Momentos en los que Peter cabalga por el país a caballo mientras contempla su terrible poesía evocan ensueño y un privilegio innegable. Mientras Peter deambula soñando despierto, el hermano de Marias, el hermano (Ilunga Adel) trabaja largas horas en la planta de incubación, y luego medica sus frustraciones con la barbacoa y la cerveza. Esta transición hacia la vida de los Hermanos se encuentra entre las secuencias más poderosas de Cane River, ilustrando las arraigadas diferencias culturales entre las familias de Peter y Marias. (Adel también le da a la película la mejor actuación, su físico agresivo sugiere años de resentimiento y decepción.Sin embargo, Jenkins está tan obsesionado con las nociones de historia y legado que subestima el romance de Peter y Marias, que a menudo se traduce en taquigrafía fácil. La combinación de puntos de conversación política con el sentimentalismo de la telenovela es evocativamente incómoda y también algo decepcionante. En Losing Ground, los elementos históricos, personales y políticos de la narrativa están completamente entrelazados, lo que permite una refutación aparentemente sin esfuerzo de las narrativas de relaciones insípidas. Por el contrario, Cane River se rige por una estructura alterna incómoda, entre hablar y coquetear, que puede dejarlo con ganas de más momentos en los que simplemente se permite a Peter y Maria, momentos que tienden a pertenecer a Brother. Sin embargo, esta incomodidad es reveladora en sí misma, expresando el dolor y la confusión de luchar con verdades que sacuden la concepción de identidad. Elenco: Richard Romain, Tommye Myrick, Carol Sutton, Ilunga Adell, Barbara Tasker Director: Horace B. Jenkins Guionista: Horace B. Jenkins Distribuidor: Oscilloscope Laboratories Tiempo de ejecución: 102 min Calificación: NR Año: 1982 Nos comprometimos a mantener nuestro contenido libre y accesible, lo que significa que no hay muros de pago ni tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, considere convertirse en un patrocinador de SLANT: Premios Una de las realidades de la carrera por los Oscar es que nunca quiere llegar a la cima demasiado pronto. Publicado hace 4 días el 4 de febrero de 2020 Foto: Neón Algo muy sucedido en la recta final de esta temporada de premios perversamente acortada es casi difícil procesarlo todo. Lo creas o no, al comienzo de nuestra cobertura de predicción de Oscar, justo después de los Globos de Oro y unos días antes de que los Producers Guild of America Awards anunciaran su primer premio, aún confiaba en mi creencia de que nos dirigíamos hacia otra imagen / director dividido, con Jojo Rabbit tomando el primero y Quentin Tarantino el segundo. Pero avanza dos semanas y ahora estamos viendo una ceremonia de los Oscar que estará en sintonía con la ola final de gremios y grupos de premios, dejando a los favoritos en varias categorías hasta este momento en el polvo. Caso en cuestión: Érase una vez ... en Hollywood en el guión original. Incluso después de que un artículo reciente del New York Times utilizara las matemáticas antiguas para exponer el mito que propagan los expertos en premios, ¡incluso nosotros! —Que Hollywood está enamorado de ver reflejada su imagen en sí misma, pensamos que la película, incluso si no es nuestra mejor película furtiva, e incluso si no es una canción de cisne de Tarantinos, no podría perder aquí. Después de todo, la categoría es prácticamente sinónimo de QT, que solo necesita una victoria más para empatar a Woody Allen para la mayoría de los Oscar aquí. Y luego, dinos si has escuchado esto antes, ocurrió el parásito. Aquí hay una categoría en la que los votantes de los Oscar no son reacios a otorgar una tarifa de género o una nueva imaginación de esa tarifa. Esas son las acciones de Tarantinos en el comercio ... así como Bong Joon-hoos. El guión de Parasite, coescrito por Bong y Han Jin-won, encontró el favor de la WGA el fin de semana pasado, y aunque no estábamos listos para llamar a esta carrera por la película en ese momento, Tarantino no es miembro de la WGA, y como tal no puede ser nominados para los premios de los gremios, lo hicieron a raíz de la sátira surcoreana que ganó el BAFTA contra Once Upon a Time ... en Hollywood. Esa victoria demuestra, entre otras cosas, que una de las realidades de la carrera de los Oscar es que nunca quieres llegar a la cima demasiado temprano. Ganará: Parásito podría ganar: Érase una vez ... en Hollywood Debería ganar: Érase una vez ... en Hollywood Nos comprometimos a mantener nuestro contenido libre y accesible, lo que significa que no hay muros de pago ni tarifas de suscripción, así que si le gusta lo que hacemos, por favor considere convertirse en un mecenas SLANT.


Comprobando ... Editor: San Francisco, California, EE. UU.] Kanopy Streaming, Grasshopper Film, 2018. 2015. Edición / Formato: eVideo: Clipart / imágenes / gráficos: inglés Resumen: El reconocido director de fotografía y artista Christopher Doyle celebra a Hong Kong y a su gente con este vibrante documental que se centra en los residentes de la ciudad en su infancia, juventud y vejez. Selección oficial en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Nominado en la competencia de profundidad de campo en el DocAviv Film Festival. Calificación: aún no calificado 0 con comentarios - Sé el primero. Asignaturas Películas de estilo documental. Sociología. Mas asi Artículos similares Encuentra una copia en la biblioteca Buscando bibliotecas que contienen este elemento ... Detalles Género / Forma: Medios en línea Películas documentales Tipo de material: Clipart / imágenes / gráficos, recurso de Internet, grabación de video Tipo de Documento: Recurso de Internet, archivo de computadora, material visual Todos los autores / contribuyentes: Christopher Doyle; Grasshopper Film (Firm) Kanopy (Firm) Encuentre más información sobre: Número de OCLC: 1035142323 Nota de idioma: En mandarín, cantonés. Notas: Título de los marcos de título. Película. En proceso de registro. Notas del evento: Producido originalmente por Grasshopper Film en 2015. Descripción: 1 recurso en línea (archivo de video en tiempo real) 86 min. archivo flv, sonido Más información: Resumen: Comentarios Comentarios aportados por los usuarios Es posible que ya haya solicitado este artículo. Seleccione Aceptar si desea continuar con esta solicitud de todos modos.
Corriente libre Hoeng gong saam bou kuku.
Corriente libre Hoeng gong saam bou kuk.

Corriente libre hoeng gong saam bou kuko. Corriente libre hoeng gong saam bou kukri. Hong Kong, 2015 Documental, Comedia, Drama Una historia de Hong Kong contada por tres generaciones de personas reales: ‘niños preescolares, young jóvenes preocupados y‘ ciudadanos mayores absurdos. Esta película no se está reproduciendo actualmente en MUBI, pero sí otras 30 grandes películas. Mira lo que se muestra ahora Trilogía de Hong Kong: Preescolar Preocupado absurdo Dirigido por Christopher Doyle Doyle ha descrito el esfuerzo como "una película sobre Hong Kong y la gente de Hong Kong, no un informe de noticias de última hora. La trilogía de Hong Kong tiene sus defectos. A menudo se siente excesivamente ligero y queda tan envuelto en esta idea amplia de la identidad de Hong Kong que nunca la transmite específicamente. En general, sin embargo, la Trilogía de Hong Kong pinta un retrato conmovedor y único de las personas y las historias de Hong Kong, que tiene más éxito en un rango limitado que como una oda global a la ciudad. El principal problema con la "Trilogía de Hong Kong" es que promete demasiado y no cumple. [... Puede] parecer un proyecto de ambición gigantesca, pero lo contrario es cierto: quizás reconociendo lo absurdo de reducir una ciudad entera a una muestra representativa, Doyle va demasiado lejos en la otra dirección al enfocarse en lo poco dramático y lo intrascendente. Scott Tobias 29 de septiembre de 2015 Esta película experimental de no ficción, uno realmente no puede llamarlo documental, por varias razones, es fácilmente el mejor trabajo de Doyles como autor, probablemente porque no se ha cargado con la laboriosa tarea de seguir una narración. En cambio, la Trilogía de Hong Kong es una consideración impresionista de tres poblaciones contemporáneas diferentes en HK. Michael Sicinski 26 de septiembre de 2015.

Corriente libre Hoeng gong saam bou kak à n'en plus finir. Mientras las turbias olas golpean la casa flotante en el puerto de Hong Kong, Red Cap Girl enciende una vela y reza en su santuario casero. Frente a las imágenes recortadas de una variedad aparentemente aleatoria de deidades que incluye a Jesús y Buda, ella pregunta a quien esté escuchando para protegerla a ella y a su familia. Más tarde, la niña de 9 años describe sus sueños de escapar del paisaje urbano denso y cacofónico de Hong Kong para una simple edad adulta que se dedica a cultivar lechuga en el campo, una ambición inusual en un territorio donde generaciones de agricultores trabajaron con la esperanza de que sus hijos tener carreras de cuello blanco. REGÍSTRESE en el boletín gratuito de películas Indie Focus Red Cap Girl es una de las voces que anima la "Trilogía de Hong Kong: Preescolar Preocupado Preescolar", el último trabajo de Christopher Doyle, director de fotografía e hijo adoptivo de la ciudad. Capturar Hong Kong en toda su complejidad política, generacional y económica nunca ha sido fácil, pero con la antigua colonia británica de 7,4 millones en uno de sus momentos más inciertos en años, la tarea es quizás más difícil que nunca. La “Trilogía de Hong Kong” es una historia del territorio semiautónomo chino en una encrucijada. Combinando elementos de largometraje y documentales, la película utiliza grabaciones de entrevistas de audio como narración de escenas ficticias con esos mismos entrevistados. La columna vertebral del cine es una sección sobre el llamado Movimiento Umbrella, protestas dirigidas por estudiantes que paralizaron el centro financiero durante 10 semanas en el otoño de 2014. Mientras los estudiantes idealistas instalaban ciudades de tiendas, Doyle se entretuvo con su cámara, capturando momentos sinceros de jóvenes. trabajando en instalaciones de arte, entregando correo a través de su propio sistema improvisado y cultivando vegetales en una granja que surgió de “alquitrán y concreto”. Doyle hizo sus huesos como cineasta en esas mismas calles. Aún con un comportamiento juvenil a la edad de 63 años ("63 a los 10 años", así lo describe el productor Jenny Suen) dejó su Australia natal a los 18 años para evitar ser reclutado para el servicio en la Guerra de Vietnam. "Le dije a mis padres que volvería en un año", dice. “Eso fue hace 46 años. ”Tomó una ruta tortuosa hacia el cine, con períodos practicando medicina china, pastoreando vacas y perforando petróleo en varios países. Un reputado bon vivant, Doyle se ha descrito a sí mismo como el "Keith Richards de la cinematografía". Él se ve bien, con un rostro degradado causado por muchas noches y una mata de cabello rizado, ahora casi completamente gris, que casi cubre sus ojos. Entre las personas que han trabajado con él, Doyle es tan famoso por su alboroto y consumo de alcohol durante todo el día como lo es por su elegante cinematografía. "La gente me considera una especie de excéntrico, loco o totalmente loco", dijo Doyle. Luego sonríe, se encoge de hombros y dice: "Puedo vivir con eso. A lo largo de una entrevista por la tarde con copas de vino en el vestíbulo de su hotel en Busan, donde "Trilogy" está tocando en el festival de cine de la ciudad, conocidos del circuito de películas asiáticas se acercan intermitentemente a Doyle. Después de abrazar y compartir historias como un viejo amigo con una mujer, Doyle retoma su asiento y susurra: “No tengo idea de quién es. Doyle es excepcional como un extranjero que también es una figura venerada en el panteón del cine de Hong Kong. Ha colaborado con directores prominentes, incluido el autor de Hong Kong Wong Kar-wai, Zhang Yimou y Gus Van Sant de la parte continental, y ha producido videos musicales con DJ Shadow y el artista chino Ai Weiwei. En sus colaboraciones con Wong, como "In the Mood for Love", Doyle produjo imágenes que eran hermosas pero con un borde áspero, coloreadas con la arena de Hong Kong. Al filmar el Movimiento Umbrella, eligió afinar las comunidades improvisadas que surgieron. Deseaba capturar las interacciones detrás de la política y la intimidad inusual en las calles normalmente bulliciosas que se habían detenido repentinamente. "Estos eventos, que fueron cuasi políticos y socioeconómicos, creemos que se trata más de la comunidad que de la política", dijo Doyle. Uno de los personajes de las secciones es un experto en feng shui de 27 años llamado Thierry que pasa parte de su tiempo frente a la cámara haciendo preguntas retóricas y elevadas, que incluyen: “¿Por qué existe el destino? El Movimiento Paraguas nació de la sensación de que la identidad única de Hong Kong está en riesgo de ser subsumida por China continental. Una de las principales quejas de los manifestantes fue la insistencia de Beijing de que solo los candidatos nominados por un comité considerado como responsable del Partido Comunista Chino serían elegibles para postularse para el cargo de jefe ejecutivo del gobierno de Hong Kong, el principal puesto del gobierno del territorio. En 1997, Hong Kong volvió a la soberanía china después de ser gobernado por los británicos desde 1842. El marco posterior a la entrega se llama "un país, dos sistemas", y Hong Kong tiene un amplio grado de autonomía. Pero se supone que el sistema dura solo 50 años, algo que preocupa a muchos en Hong Kong que valoran la libertad de expresión, asociación y culto religioso de sus ciudades. "Hong Kong es una ciudad con una fecha de vencimiento, y eso llegará en 2047. Estamos reaccionando a esta inminente sensación de pérdida al contraatacar", dijo Suen. Al igual que Hong Kong, "Trilogía" es difícil de clasificar. En su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre, estuvo en la categoría de largometrajes; en el Festival Internacional de Cine de Koreas Busan del Sur el mes pasado, se llama documental. Doyle no está interesado en elegir un bando. “Incluso no estábamos seguros de cómo llamarlo. Todo lo que podemos decir es que es personal, poético y político ”, dijo. La sección "Preocupada" de "Trilogía" se encuentra entre otras dos historias: "Preescolar" mira a una generación aún más joven, mientras que "Absurdo" se centra en el set para adultos mayores de Hong Kong. "Trilogy" comenzó en 2014 cuando Doyle recibió el encargo del Festival Internacional de Cine de Hong Kong de hacer un cortometraje sobre niños. Los realizadores decidieron construir sobre eso filmando secciones de otras dos generaciones. Su objetivo es llevar las voces de estos tres grupos, que no tienden a tener mucho contacto, a un solo lugar para proporcionar una visión más amplia de la vida en Hong Kong. Esa primera sección se llama "Preescolar", y en ella se une a Red Cap Girl un joven que usa el beatboxing para expresar sus sentimientos de amor. También hay un niño corpulento de 8 años llamado Vodka, quien, en una de las escenas más atractivas de la película, gime mientras la policía lo regaña por tirar basura en un parque mientras se atiborraba de bocadillos salados. Los espectadores pueden reír o llorar en la tercera sección, titulada "Preposterous", que presenta a los ancianos de Hong Kong en una excursión diurna, participando en actividades que incluyen una incómoda sesión de citas rápidas. La historia complicada de Hong Kong se asoma a través de la superficie alegre cuando una anciana recuerda cómo nadó a la isla de Hong Kong en un intento desesperado por escapar del dominio comunista en China continental. Ella señala que la playa en la que nadó décadas antes es ahora uno de los puertos de contenedores más concurridos del mundo. Una revisión en el periódico Hong Kong South China Morning Post encontró esta sección insensible a sus temas, argumentando: “Al mostrar eventos ficticios de citas rápidas para personas mayores avergonzadas pero prestando poca atención a sus pensamientos internos, esta parte final se acerca asombrosamente a burlarse de su participantes de edad avanzada Suen dice que los temas de las películas fueron extraídos de un año que pasó entrevistando a más de 100 Hong Kongers regulares. Ella dijo que incluso cuando los entrevistados no contaban historias tristes, las entrevistas mostraban sentimientos de catarsis y emoción acumulada. Los cineastas dicen que las preocupaciones sobre el dinero han llegado a dominar la vida en Hong Kong, dejando poco tiempo para la comunidad o la reflexión. "Me di cuenta de que nadie había acudido a estas personas y les pregunté sinceramente cómo se sentían, y que la gente de todos lados está agotada por la fractura de nuestra sociedad", dijo Suen. "Trilogy" tuvo su estreno en Hong Kong a finales de septiembre y ha obtenido respuestas emocionales en las proyecciones locales, dicen los cineastas. Ahora está dando vueltas en el circuito del festival, y Suen está buscando socios para un lanzamiento en los Estados Unidos. El equipo luchó para asegurar la financiación de un documental artístico sin estrellas, una tarea difícil en un negocio cinematográfico que se ha transformado por infusiones de dinero continental. "En los últimos cinco años más o menos, se ha vuelto imposible encontrar inversionistas solo para la película de Hong Kong; hay que mirar a China continental", dice Suen. Ella recurrió al crowdfunding a través de Kickstarter, donde recolectó alrededor de 120, 000 de las películas, 200, 000 de presupuesto. "Hoy en día es" Fast and Furious 25 'o está en YouTube. No hay nada en el medio ”, dijo Doyle. Doyle ha realizado más de 60 películas y produce alrededor de cinco proyectos por año. A pesar del clima desafiante, Doyle dice que la belleza de crear imágenes para dar voz a las ideas lo mantendrá detrás de la cámara. "El cine tiene que tener la fluidez del jazz y la belleza del baile", dice. “Sostengo la cámara frente a mí y la veo bailar. Es una cosa hermosa. ".

PELÍCULAS 8:00 AM PDT 12/09/2015 por Cortesía del Festival Internacional de Cine de Toronto. 'Trilogía de Hong Kong' El famoso director de fotografía dirige una carta de amor impresionista a su hogar adoptivo y registra la historia en el proceso. Christopher Doyle es mejor conocido por su colaboración de décadas con el autor de Hong Kong Wong Kar Wai, con quien creó el estilo visual seductor y resplandeciente de películas como Chungking Express (1994) e In the Mood for Love (2000. Ha trabajado como director de fotografía para más de dos docenas de otros directores, incluidos Gus Van Sant, Jon Favreau y Zhang Yimou, al tiempo que dirige sus propias películas, a menudo excéntricas. Su último proyecto, que se proyecta en la sección TIFFs Contemporary World Cinema, es la Trilogía de Hong Kong: Preescolar Preocupado Prepostero, un trío de cortos impresionistas sobre tres generaciones de la sociedad de Hong Kong. Doyle y su productora, Jenny Suen, pasaron más de un año entrevistando a cientos de personas de diversos ámbitos de la vida de Hong Kong. Las grabaciones de audio se usaron luego como voces en off para estructurar una narración suelta que Doyle le dio a las figuras en vivo. El resultado es una especie de poema visual. El primer capítulo de la película, "Preescolar", es una pieza de 30 minutos interpretada por las voces de los escolares de Hong Kong. Originalmente fue encargado por el Festival Internacional de Cine de Hong Kong y se proyectó allí en una serie de cortometrajes en 2014. La idea de extender ese proyecto a una característica surgió, como Doyle dice que muchas de sus mejores ideas hacen, en el calor de una sesión de bebidas. . “Estábamos tocando bongos arriba en uno de nuestros pequeños bares favoritos en Hong Kong, y me sentí tan vigorizado por la experiencia de hacer el corto, que de repente tuve la idea de convertirlo en una función con dos partes más, una sobre los jóvenes de Hong Kong que estaban de fiesta con nosotros y algo sobre la generación anterior. " Doyle dice que la tercera sección, "Absurda", sobre los ancianos de la ciudad, resultó ser la más difícil. "Son más reticentes, humildes y no tan francos", dice. “Pero era importante tener todos estos ritmos generacionales. " Más tarde, justo cuando Doyle comenzaba a trabajar en la pieza central de la trilogía en el otoño de 2014, el "Movimiento de paraguas" dirigido por estudiantes de Hong Kong irrumpió en las calles de la ciudad, dando al proyecto un telón de fondo inesperado e histórico. "Fingimos algunos pases de prensa para poder filmar en el corazón de los campamentos", dice Doyle.“Pero todos en Hong Kong me conocen, por lo que nadie realmente lo estaba comprando. Sin embargo, la policía fue amable con nosotros, viniendo y pidiendo autógrafos. " De hecho, Doyle dice que los cinéfilos de la ciudad han llegado a considerarlo uno de los suyos. "Siempre seguiré siendo un extraño en Hong Kong, pero soy un extraño muy íntimamente conectado", dice. "El placer para mí ahora es tratar de devolverle algo a este lugar que me ha hecho quien soy ...

Corriente libre Hoeng gong saam bou kak cliquez ici. Corriente libre Hoeng gong saam bou kak garanti. Christopher Doyles Hong Kong Trilogy, una exploración a menudo serenamente meditativa de la vida sociopolítica en la Hong Kong contemporánea, es una mezcla asombrosamente fotografiada de narrativa documental y ficticia, que sigue a los lugareños reales. No podemos decir dónde termina la vida real y comienza la ficción, y en última instancia, no nos importa. La película marca el primer esfuerzo de dirección de Doyles, financiado con fondos colectivos a través de una campaña de Kickstarter en 2014. Doyle, el autoproclamado Keith Richards de cinematógrafos, es uno de los DP más queridos y provocadores del mundo, dotado de un ojo exquisito para la composición. Su nueva película, sin embargo, deambula por misericordiosamente 85 minutos antes de desvanecerse en negro, nunca fusionándose en algo impactante, más allá de un interés fugaz e informal en los personajes. Aparte de eso, quedaron con solo un puñado de imágenes deslumbrantes para recordar, y poco más. La película está dividida en tres capítulos. El primero, titulado Preescolar, sigue a los estudiantes de una escuela privada local, incluida una niña que usa un sombrero rojo, que reflexiona sobre el constante caos que ocurre en su casa flotante. Lejos de la casa y la escuela, se pierde en pensamientos sobre los diferentes dioses del mundo, cargando una jarra de agua bendita, regando (o como ella dice, salvando) las plantas y flores locales. En casa, baila frente a un altar hecho a sí mismo, empapelado con dibujos de cada dios en la creación, pero cuando reza, habla con Jesucristo. Los mejores momentos surgen cuando la cámara Doyles se sienta y observa cómo se desarrolla la vida de forma natural, permitiendo que las secuencias se desarrollen durante períodos más largos. En un momento, la madre de las niñas grita desde fuera de la pantalla: "Cariño, estoy poniendo tu agua bendita en el refrigerador. Mientras tanto, su hermosa maestra de escuela está saliendo con un holgazán gordito, apodado Beat Box, que con tanta frecuencia llega tarde para recogerla del trabajo que un día llega a primera hora de la mañana y se sienta a esperarla todo el día. El segundo capítulo, Preocupado, sigue a miembros del Movimiento Paraguas, que ocuparon las calles del centro de Hong Kong durante 72 días en 2014, deteniendo el área del centro para "pensar en lo que quieren para el futuro de su ciudad". Una mujer vestida de negro vigila desde lejos a los niños de la escuela. Este es Thierry, miembro del Movimiento Umbrella, y un maestro de feng shui de segunda generación. Ella reúne a grupos de artistas y músicos en cafeterías locales para organizar espectáculos, difundiendo la conciencia de su causa, mientras la policía se reúne lentamente en un segundo plano, lista para romper las protestas en cualquier momento. La película va a la deriva. Vemos a policías maleducados confiscar cajas de cerveza de un bar activista solo para que las botellas sean inmediatamente robadas por un travieso expatriado británico. Los mismos oficiales luego intimidan a uno de los niños, arrastrándolo al recinto por dejar caer accidentalmente trozos de comida en el suelo mientras comen en un parque público. El capítulo final, Preposterous, sigue nuevamente al maestro de la escuela y Beat Box, mientras organizan un evento de citas rápidas para personas mayores locales. Este episodio es el menos atractivo, se siente completamente leve y con cuernos de zapatos en comparación con el resto de la narración. Doyle intenta y no explota la comedia al ver a los mayores olvidadizos perderse en el camino al evento, un momento barato y vacío. Pronto, los niños regresan a la narrativa, viajando en un autobús de la ciudad a un viaje de campo, otra secuencia de comedia fallida que no conduce a una recompensa sustancial. Es alrededor de este punto que la película comienza a asumir la sensación de un comercial de seguros a medida que la narración se disuelve, reemplazada por tópicos irritantemente altruistas que suenan en voz alta contra escenarios exuberantes y pintorescos. Escuchamos voces que revelan sus pensamientos en la narración, como algo salido de una película soviética mientras Doyle prueba tropos de sus películas favoritas con un efecto de agitación intermitente. Es una lástima que estos elementos no se puedan entregar de manera más consistente. Un niño gordito lamenta haber sido castigado injustamente por una pelea en el patio de la escuela iniciada por otra persona, escondiéndose de su niñera. Una niña lleva una caja de tartas de huevo para dar a cualquiera que vea que se ve triste, con la esperanza de animarlos. Estos personajes se quedan con usted después de que pasan los créditos, pero Doyle está demasiado preocupado por las imágenes alucinantes como para quedarse en sus vidas de sus personajes durante más de un minuto o dos a la vez. La Trilogía de Hong Kong puede estar repleta de incidentes, pero es luz sobre la historia. No sorprende que la calidad más fuerte de la película de Doyles se encuentre en su magnífica cinematografía. El fotógrafo nacido en Australia fue contratado por primera vez como director de fotografía por el director Edward Yang en That Day, on the Beach, por el que ganó varios premios. Rápidamente ganó prominencia al trabajar con Wong Kar-wai en Chungking Express e In the Mood for Love, luego vino a los Estados Unidos para trabajar con una mezcla ecléctica de cineastas, que van desde Gus Van Sant y Jim Jarmusch, hasta Jon Favreau y M. Noche Shyamalan Más recientemente, Doyle le dio a Endless Poetry el legendario director Alejandro Jodorowsky. De hecho, Doyle es uno de los cineastas más talentosos de su generación, pero sus talentos para el cine narrativo todavía parecen estar en su infancia. En teoría, es fácil imaginar lo que Doyle tenía en mente durante la concepción inicial de la película: una versión secamente cómica y encantadora de Medium Cool, en el contexto del contemporáneo Hong Kong. O tal vez una versión posmoderna del estilo de Robert Altmans con personajes que se entrecruzan entre sí a través del tiempo seudo documental de las películas. En un primer plano, vemos a una niña garabatear minuciosamente las palabras "Amo a Hong Kong" en un crayón. Ese amor descarado por la ciudad se siente profundamente mientras se ve la película. La cámara Doyles nunca se siente por un momento como un turista en un país extranjero, sino que sumerge a la audiencia en el paisaje como si fuera un local. Si bien la Trilogía de Hong Kong es en última instancia un fallo de encendido vacío y desenfocado, todavía es bastante observable en su fracaso, gracias al notable enfoque visual de Doyles. La trilogía de Hong Kong: preescolar, preocupada, absurda se abre en Metrograph el viernes 22 de septiembre. Grado: C.

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